Piet Mondrian

Cuando uno piensa en arte se imagina obras aisladas, no en los recorridos para llegar a ellas, más aun cuando el artista ya está consagrado y su estilo grabado en nuestra mente. Todos empiezan igual, transitan los mismos senderos y, en un punto de inspiración divina, dan un paso que los lleva a la gloria, a veces. El punto de partida está en nuestro entorno, la moda, la admiración por otros. Quien se queda se diluye, quien avanza, en busca de un estilo personal, se arriesga a perderse o a desarrollar una forma de expresión novedosa, casi siempre incomprendida, pero con constancia, experimentación y repetición se deja huella. Ese es el caso del holandés Pieter Cornelis Mondriaan (1872 al 1944).

Autorretrato, 1900

Piet Mondrian, como se hizo llamar al llegar a París, adapta su estilo artístico a la imperante influencia cubista desarrollada por Pablo Picasso y Georges Braque, a la que todos estaban imitando, “en Roma has como los romanos”. Eso lo encaminó pero no lo definió. Como dijo él, “el cubismo es un puerto, pero no el destino final.” Y es en su serie de árboles en donde se puede ver mejor este deambular.

Ya define los colores con los que habrá de trabajar: rojo, azul y amarillo.
"El árbol rojo" 1910
Haags Den Gemeentemuseum, La Haya, Holanda

El perpendiculismo creado por el "caos" de las ramas van a inspirar su estilo posterior.
"El árbol gris" 1911

Define en su visión mística universal un código con el que trabajó por más de 30 años, a riesgo de ser repetitivo, una interpretación de lo que nos rodea en un contexto abstracto geométrico con tan sólo tres colores, los primarios: amarillo, azul y rojo, ya que el blanco (presencia de luz) y el negro (ausencia de luz) no son en sí colores desde el punto de vista físico. 

El cubismo poco a poco se va diluyendo para abrirle paso a lo que será su estilo característico, pero es un proceso, no es inmediato y la experimentación constante define su carácter.

"Manzano en flor" 1912

Además, su obsesión es tal que prohibió el color verde en su casa, sólo los primarios, de lo contrario se sentiría como un profano en su propio templo. 

"Composición con amarillo" 1930
Colección Privada

Se empeñó en buscar el equilibrio perfecto equilibrando la obra por el peso visual del color, siendo el azul el más pesado y el amarillo el más liviano, auto limitándose a un modelo de líneas rectas perpendiculares entre sí, "Geometría Cósmica". 

"Composición C (N° III) con rojo, amarillo y azul" 1935
Colección Privada en préstamo al Tate Modern, Londres

Todo es una fracción de lo que percibimos, la obra, al no estar sangrada, continúa más allá del bastidor, se extiende en nuestra imaginación.

"Composición 10" 1942
Colección Privada

La amistad entre Piet Mondrian y Theo van Doesburg (1883 al 1931) los lleva a desarrollar De Stijl (El Estilo), vanguardia artística, que busca la integración total de las artes. Íntimos colaboradores, que por una  diferencia de criterios, se distancian hasta convertirse casi en rivales. Mondrian consideraba la cuadrícula perpendicular como la única forma de composición, rechazando los círculos y en especial las diagonales, en cambio, Theo van Doesburg su fiel colaborador, deseaba experimentar, autodefinirse, conseguir su propio camino y prueba con algunas diagonales, lo que generó la crisis entre ellos. Por años no se volvieron a hablar, pero una vez liberado del yugo ortodoxo de su maestro, Theo se deja llevar y crea una variante propia del neoplasticismo y logra así pasar a la historia.

Construcción inspirada en Piet Mondrian.
Años 50, Holanda

 Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi
 

Las Pinturas más costosas del Mundo

El Precio del Arte

Esta es la lista a la fecha, que se sepa, de las obras vendidas más costosas del Mundo, ya que algunos cuadros pueden ser vendidos en privado y la identidad del comprador resguardada.
 

Todas las pinturas en ésta lista son pertenecientes al "Arte Moderno", que en los últimos años han superado con creces los precios de adquisición de los Maestros Antiguos. Hay que tener en cuenta que los precios pagados hoy no son equivalentes a los pagados años atrás, por eso hago la conversión y ordeno las pinturas en valor neto actual.


1.- Willem de Kooning (1904-1997)     Interchange        1955
Esta es la segunda obra en la lista de este artista holandés nacionalizado estadounidense perteneciente al movimiento Expresionismo Abstracto.
La pintura perteneciente al productor musical y cinematográfico David Geffen fue vendida al inversor de capital Kenneth C. Griffin, quien es en la actualidad uno de los grandes compradores de arte y filántropo. De manera simultánea también compró la obra Número 17A de Jackson Pollock. Ambos cuadros van a permanecer exhibidos en el Art Institute de Chicago.
Interchange iguala en precio al cuadro a continuación de Paul Gauguin, $ 300.000.000, pero la compra global por las dos pinturas suman $ 500.000.000.

Willem de Kooning, Interchange, (200.7 x 175.3 cm), 1955
Chicago Art Institute

2.- Paul Gauguin (1848-1903)   ¿Cuándo te casas?     1892

Artista francés del Post Impresionismo, pieza clave para los artistas del Siglo XX, con su síntesis del color.
La modelo que posa en ésta obra, Tehe'amana, fue su pareja durante su estancia en Tahití.
La obra fue comprada fuera de subasta a un coleccionista privado, hoy ya se sabe que es el Museo de Arte de Qatar, por la suma de $ 300.000.000

¿Cuándo te casas? (Nafé Faaipoipo), 1892, 101.5 cm x 77.5 cm

3.- Paul Cézanne (1839-1906)     “Los jugadores de cartas”           1892/93

Artista francés del Post Impresionismo, considerado por muchos “el padre de la pintura moderna”, aunque en vida fue ignorado por los críticos y los coleccionistas. Esta es la tercera versión de cinco que el artista realizó sobre éste tema, una de ellas está en el Museo D´Orsay en París

En el 2011 se realizó la venta fuera de subasta y el comprador fue la Familia Real de Catar, que pagó una suma superior a los $ 250.000.000.

El precio hoy es equivalente a $ 268.100.000.

"Los jugadores de cartas" (tercera versión), 1892/93 (97 cm x 130 cm)

4.- Jackson Pollock (1912-1956)                “Number 5, 1948”          1950

Artista estadounidense del movimiento Expresionismo Abstracto o Escuela de Nueva York, considerado por muchos el mejor artista de su país en el siglo XX. Su estilo característico fue el Action Painting, mal llamado Dripping.

En el 2006 el magnate discográfico David Geffen vende la obra en privado por la suma de $ 140.000.000, al empresario mexicano David Martínez, pero él siempre ha negado dicha adquisición.

El precio hoy es equivalente a $ 161.700.000.

"Number 5, 1948", 1950,
óleo sobre madera compactada (240 cm x 120cm)

5.- Willem de Kooning (1904-1997)        “Woman III”                     1953

Artista holandés nacionalizado estadounidense perteneciente al movimiento Expresionismo Abstracto. Esta obra es una de una serie de seis. Hasta 1979 el cuadro fue exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán y luego de la Revolución Religiosa Iraní liderada por el Ayatolá Jomeini, la pintura fue retirada de exhibición por considerarse obscena bajo los estándares musulmanes. Entonces fue comprada por David Geffen, hasta que en el 2006 él se la vende, por la módica suma, de $ 137.500.000 a Steven A. Cohen.

El precio hoy es equivalente a $ 158.800.000.  

  

"Woman III", 1953, óleo sobre tela (172 cm x 123 Cm)

6.- Pablo Picasso (1881-1973)                "El sueño"                         1932                    

Artista español, padre del cubismo, pero quien a su vez experimentó otras tendencias, como: el surrealismo y el simbolismo. Esta pintura representa a su amante Marie-Thérèse Walter.

En el 2013 el cuadro fue comprado en subasta por el multimillonario Steven A. Cohen por $ 155.000.000 para darse un regalo luego de superar el escándalo y pagar una suma millonaria para no ir a juicio por fraude.

El precio hoy es equivalente a la misma suma ya que fue adquirido éste mismo año.

"El sueño", 1932, óleo sobre tela (130 cm x 97 cm)

7.- Gustav Klimt (1862-1918)     “Adele Bloch-bauer I”                      1907

El principal artista austríaco del movimiento de Secesión de Viena y simbolista por excelencia. La pintura de Adele Bloch-bauer es tan elaborada que Klimt se tardó tres años en completarla. Luego de la ocupación nazi y el final de La Segunda Guerra Mundial, La Galería Estatal de Austria se sintió heredera legal de ésta y otras  cuatro obras de Klimt propiedad de los difuntos esposos Bloch-bauer. De inmediato se genera un litigio legal con los herederos de la familia que duró décadas (La República de Austria vs Altmann), hasta que en el 2006 un juzgado dictaminó que la propietaria legal era María Altmann y las obras le fueron entregadas. De inmediato se pusieron en venta y la subastadora Christie´s se la negoció por $ 135.000.000 a Ronald Lauder, heredero de la Compañía Estée Lauder, para ser exhibida en la Neue Galerie de Nueva York. Según sus palabras “Esta es nuestra Mona Lisa”.

El precio hoy es equivalente a $ 154.900.000.

  

Adele Bloch-bauer I, 1907, óleo, plata y oro sobre tela (140 cm x 140 cm)

8.- Vincent van Gogh (1853-1890)           “El retrato del Dr. Gachet”         1890

Pintor holandés de estilo Post Impresionista que a lo largo de su corta carrera, 10 años y 860 pinturas al óleo, influenció sobremanera a casi todas las generaciones de artistas del siglo XX, a pesar de haber vivido en el anonimato y no haber logrado vender ni una sola obra, generándole una gran depresión que lo llevó a dispararse un tiro a los 37 años de edad. Su deceso oficial es suicidio, aunque nunca se encontró el arma.

El Dr. Gachet se encargó de Vincent van Gogh durante los últimos meses de su vida y él le dedica dos cuadros, muy similares en composición pero distintos en trazos y colorido. La segunda versión de éste cuadro está en el MuseoD´Orsay en París y la primera versión fue subastada en  1990 al magnate japonés, hoy arruinado, Ryoei Saito, por $ 82.500.000, generando el gran Boom de compradores arte. El paradero actual de la pintura es un misterio, se sospecha está en Europa.

El precio hoy es equivalente a $ 148.600.000.

"El retrato del Dr. Gachet" (primera versión), 1890,
Óleo sobre tela (67 cm x 56 cm)

9.- Francis Bacon (1909-1992) "Tres estudios de Lucian Freud"        1969
Es un tríptico de su rival y amigo, el artista Lucian Freud, nieto del renombrado psiquiatra, Sigmund Freud.
La obra está categorizada como la de más alto valor alcanzado en una subasta, $ 142.400.000, pagado por un comprador anónimo, pero con la conversión de precio de las otras obras, equivalente a la fecha, éste cuadro llega al séptimo lugar.

"Tres estudios de Lucian Freud", 1969
Óleo sobre tela (198 cm x 147.5 cm, cada lienzo)

10.- Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) “Baile en el Moulin de la Galette”        1876

Renombrado artista francés del movimiento de Los Impresionistas. Renoir realizó dos versiones con el mismo nombre, una de ellas, la más grande, está en el Museo D´Orsay en París y la más pequeña fue adquirida en subasta, en 1990, por el magnate Ryoei Saito a un precio de $ 78.000.000. Este excéntrico personaje generó un gran escándalo cuando anunció que las dos obras por él compradas: El retrato del Dr. Gachet y el Baile en el Moulin de la Galette sería cremadas junto a él al momento de su muerte. Por suerte, cuando su compañía se declaró en bancarrota, los banqueros se adjudicaron las pinturas como garantía de pago y posteriormente fueron vendidas a coleccionistas privados, se cree que en Europa, muy por debajo de su precio inicial.

El precio hoy es equivalente a $ 140.700.000.

"Baile en el Moulin de la Galette" (versión más pequeña), 1876,
Óleo sobre tela (78 cm x 114 cm)

11.- Pablo Picasso (1881-1973)         “Muchacho con pipa”                1905

Esta obra de Picasso pertenece al Período Rosa y la pinta cuando el artista tiene 24 años de edad.

Aunque ya no lidera la lista de las más costosas, la obra, en su momento, 2004, rompió un hito, la barrera de los 100 millones de dólares, cuando la casa de subasta Sotheby´s la vende por $ 104.168.000 a un comprador anónimo que se piensa pudo haber sido Guido Barilla, el magnate de la pasta italiana, Barilla Group. Algunos críticos consideran que el elevado precio se logró debido al renombre del autor y no a la obra en sí, que es considerada de menor categoría.

El precio hoy es equivalente a $ 128.200.000.

"Muchacho con pipa", 1905,
Óleo sobre tela (100 cm x 81.3 cm)

12.- Edvard Munch (1863-1944)                  “El Grito”              1893

Prominente artista y cineasta noruego cuyo Simbolismo está reflejado en el tratamiento psicológico en la mayoría de sus obras, influenciando en gran medida el movimiento Expresionista Alemán.

Su obra más icónica es El Grito, en la que el terror expresado por el personaje, ante algo que ve, distorsiona incluso el paisaje. Munch realizó cuatro versiones, unas en óleo y otras en pastel. Dos de estas versiones están en el National Gallery de Oslo, la otra en El Museo Munch y la cuarta versión, realizada en 1895 en pastel, fue subastada en el 2012 a Leon Black por $ 119.922.600.

El precio hoy es equivalente a $ 121.400.000.

"El Grito" (cuarta versión), 1893,
Pastel sobre cartón (79 cm x 59 cm)

13.- Pablo Picasso (1881-1973)            “Desnudo, hojas verdes y busto”           1932

La pintura retrata a Marie-Thérèse Walter, amante del artista y adquirida casi de inmediato por los coleccionistas Sidney y Frances Brody. La obra sólo fue expuesta públicamente una sola vez en el año 1961. Al morir Frances Brody en el 2009, la obra fue subastada y adquirida por $ 106.500.000, por un comprador anónimo que la cedió en calidad de préstamo al Tate Modern de Londres para su exhibición.

El precio hoy es equivalente a $ 113.600.000.

"Desnudo, hojas verdes y busto" 1932
Óleo sobre tela (162 cm x 130 cm)

Otras tantas obras han estado en la lista y luego desplazadas por las adquisiciones más recientes, razón por la cual anexo un gráfico en las que aparecen.

Gráfico tomado de Wikipedia

Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi

Yves Klein, "La Vida en Azul"

En el arte, ¿en quién pensamos cuando pensamos en azul?

La respuesta está más cerca de lo que uno piensa, pero éste artista de mediados del siglo XX influenció, con su sistemática utilización de un tipo de azul ultramarino creado por él como único color en sus obras a artistas de la talla de Henri Matisse y Robert Rauschenberg, y algo mucho más contemporáneo: The Blue Man Group. E incluso lo registró: IKB 191.

Henri Matisse, Desnudos en Azul, 1952

El azul se utiliza en el arte y en la joyería desde tiempos antiguos, su color de inmediato nos hace pensar en el profundo mar y en el infinito cielo, razón por la cual siempre nos ha fascinado, pero desde ese entonces y hasta hace muy poco, la fuente primaria para crear este pigmento provenía de una piedra semi preciosa: el Lapislázuli. No sólo es escasa sino de proveniencia distante: Afganistán. Ante esta extravagancia, los artistas se reservaron la utilización de éste color sólo a los personajes en sus obras que lo ameritaran, ya sea por su linaje o importancia, llegando todos ellos a un acuerdo implícito, La Virgen María. Pero eventualmente el color se llegó a sintetizar a finales del siglo XIX  y su costo disminuyó a tal punto que su producción, en comparación a otros, resultó ser de los más baratos. Fue allí cuando un grupo de artistas modificó paulatinamente su uso y su significado utilizándolo para representar emociones: Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Vincent van Gogh y Pablo Picasso, y esa emoción es melancolía, porque en palabras de Matisse, “ciertos tipos de azul penetran tu alma”.

Vincent van Gogh, Noche estrellada, 1889. MoMA, Nueva York

Los colores tradicionales de jerarquía son: azul, rojo y amarillo, y nuestro artista, Yves Klein, los utilizó todos, pero de forma individual, llegando a consolidar un movimiento conocido como Monocromismo.

Monocromías de Yves Klein, Museo Pompidou, París

Allá por el año 1946, en una playa del Sur de Francia, Yves Klein junto a otros amigos decidieron, conceptualmente, distribuirse el Mundo entre ellos: Claude Pascal quiso quedarse con las Palabras, Arman Fernández con la Tierra e Yves Klein fue un poco más ambicioso, se quedó con el Vacío que rodea a la Tierra (el Cielo), cuya percepción visual es azul. Eventualmente él redujo su ya escasa paleta de colores sólo a ese color: Azul.

En esa búsqueda del Vacío, cosa que en verdad no es fácil representar, Yves Klein, quién entre sus cualidades artísticas también estaba la música, compuso en 1949 una de las melodías más revolucionarias del siglo XX: La Sinfonía Monotónica. Esta pieza de 40 minutos tiene por finalidad el mantener un acorde sostenido por 20 minutos y los otros 20 son de silencio absoluto (el Vacío)…



Yves Klein representando su ejecución de La Sinfonía Monotónica.

Esta composición inspiró tres años después a otro músico, John Cage, quien en 1952, creó la pieza 4´33”, una melodía de silencio absoluto, creada para cualquier instrumento, y en donde el músico se coloca frente a su instrumento y por 4 minutos y 33 segundos sólo observa su partitura en blanco ante un público confundido y nervioso, luego se pone de pie y se retira. El objetivo de la obra en sí es el escuchar los sonidos del ambiente que se ahogan normalmente en una ejecución musical tradicional.

Luego de su brillante composición Sinfonía Monotónica, Yves Klein publica un libro de estampas pintadas por él de distintas ciudades europeas en las cuales ha estado y convivido, Yves Peintures. En ésta publicación Klein representa a cada ciudad con un color, creando así láminas monocromáticas de cada una, según sus sentimientos hacia ellas. Este experimento editorial luego lo va a trasladar al lienzo, pero no como uno podría imaginarse en pequeña escala, no, a gran escala, siempre pensando en grande, a todo grito y una y otra vez, utilizando sus tres colores favoritos: rojo, dorado y azul.

Yves Peintures, publicado en 1954

No hay que ser románticos con el proyecto de éste gran artista, para su época, y por muchos años, casi nadie entendió lo que Yves Klein estaba haciendo. Sus exposiciones de lienzos todos del mismo formato y con monocromías individuales, la gente lo interpretó como un mosaico de un todo y no como un objeto en sí, en la que cada cuadro, según él, es individual. Esto lo hizo reflexionar y dar un paso aún más osado, de ahora en adelante, en cada exposición sólo va a utilizar un solo color: el Azul, al que, como dije antes registró como International Klein Blue 191 (IKB 191), mejor conocido como Azul Klein. Y algo poco conocido y anecdótico, para enviar las invitaciones de sus primeras exposiciones, Yves Klein pintó unas estampillas en azul y convenció al correo postal francés para que enviara los sobres, institucionalizando así su concepto.

Invitación con estampilla creada por Yves Klein

Ahora, bajo ésta nueva aproximación, algunos entendidos comenzaron a captar lo que Yves Klein intentaba expresar. No de inmediato, pero si poco a poco.

Exposición Monocromática

En su constante experimentación él intervenía posteriormente su obra monocromática, con agua, fuego o ácidos, para poder generar distintas texturas y tonalidades. Incluso agregando objetos, como las esponjas a sus cuadros y luego pintándolas todo de azul, o rojo, o dorado.

En sus constantes experimentaciones, Yves Klein prueba con todo, incluso fuego.

Debido a que Yves Klein nunca fue estático, siempre tiene la necesidad de reinventarse, en 1960 decide hacer un Performance e invita a una noche de gala a un grupo de personas a las que sienta en una sala, y él allí, en el medio, dirigiendo, no sólo a una orquesta que toca su Sinfonía Monotónica, sino a dos asistentes femeninas, con sus cuerpos totalmente desnudos, quienes se van pintando en azul para luego estampar sus figuras en los lienzos dispuestos en el espacio. Este revolucionario Performance y su resultado pictórico lo llamó Antropometrías.

Yves Klein, Antropometrías, 1960
Galería Internacional de Arte Contemporáneo de París

La vida de éste polifacético artista francés fue corta pero no efímera. Logró en sus 34 años lo que muchos nunca logran en toda una larga vida: dejar huella. Con el paso de los años y a un poco más de 50 años de su muerte, el legado de Yves Klein se ha ido consolidando y cada vez suma más adeptos, lo que nos da a entender que él estaba muy adelantado para su época.

Parte del resultado del performance de Antropometrías, 1960

 Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi
 

Emmeline Pankhurst la sufragista

La británica Emmeline Pankhurst, ama de casa con cinco hijos, forma en Inglaterra La Unión política y social de las mujeres (WSPU, por sus siglas en inglés), una organización sufragista que buscaba conseguir el derecho al voto de las mujeres. El eslogan de éste movimiento era “Acciones no Palabras”.

El WSPU no fue el único movimiento sufragista femenino, pero sí el más radical.

Ella nunca olvidó las palabras de su esposo quien la inspiró a lo largo de los años: “¿Por qué no nos fuerzan a que les demos el voto? ¿Por qué ustedes no nos arañan los ojos?” El grupo salió a las calles no de forma pacífica, marchando o entregando volantes, sino agrediendo a la autoridad, rompiendo ventanas e incluso incendiando locales.

En 1913 Emily Davison se lanza sobre el caballo perteneciente al rey Jorge V
en un intento por llamar la atención, pero todo le sale mal y es aplastada  y
pierde la vida. El jockey, Herbert Jones, sufre heridas pero se recupera.

Tras cada protesta violenta, las sufragistas involucradas son arrestadas, buscando de ésta manera cobertura mediática y logrando proyectar su causa más allá de Londres.

Emmeline en total fue arrestada siete veces, incluso golpeando a oficiales
para asegurarse el arresto. Luego en la cárcel se resistían a comer, teniendo
que ser alimentadas a la fuerza.

Muchas de las sufragistas, en su estancia en la cárcel, entraban en huelga de hambre, para dramatizar su causa, pero el gobierno ordenó la alimentación forzada.

Por años estas tácticas fueron muy criticadas y fraccionó a la familia: Sus tres hijas apoyaban la causa pero criticaban el método.

Emmeline junto a sus hijas Christabel y Silvia.

Con el inicio de La Primera Guerra Mundial, Emmeline modificó su estrategia y apoyó al gobierno británico, ya que por ahora la lucha era en contra de un enemigo común: los alemanes. Su principal aporte durante éste período fue el de incentivar a las mujeres a colaborar con la producción industrial, transformándolas de Amas de Casa pasivas a fuerza de trabajo activa.

En 1918, al finalizar la guerra, Gran Bretaña finalmente decide otorgar el voto a las mujeres, pero con una importante diferencia con respecto a los hombres: la diferencia de edad. Ellos a los 21 y ellas a los 30. El objetivo político era el compensar el inmenso número de hombres muertos durante la guerra, 826.746, y equilibrar el poder de decisión de las mujeres.

La película Suffragette (2015), protagonizada por Meryl Streep, Carey Mulligan  y Helena Bonham Carter, a estrenarse el 12 de octubre, narra las luchas por el derecho al voto femenino.

 

En diciembre del 2015 las mujeres en Arabia Saudita podrán finalmente votar y ejercer cargo político, transformándose así éste país, en uno de los últimos en dar derecho al voto.

 

En 1917 Canadá le otorgan el derecho a la mujer para votar, siendo así el primer país en América de concederlo. Luego lo hace Estados Unidos en 1920, Uruguay en 1927, Ecuador en 1929; Brasil en 1932; Cuba en 1934; Bolivia en 1938; El Salvador en 1939; Panamá en 1941; República Dominicana en 1942; Jamaica en 1944; Guatemala y Venezuela en 1946; Argentina en 1947; Chile y Costa Rica en 1949; Haití en 1950; Bolivia en 1952; México en 1953; Colombia en 1954; Honduras, Nicaragua y Perú en 1955 y Paraguay en 1961.

Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi

 

El Primer Concilio de Nicea

El emperador Constantino I es ahora amo absoluto de toda Roma y en ésta época eso no es nada fácil, teniendo en cuenta que el imperio rodea la totalidad del Mar Mediterráneo y se extiende tierra adentro cruzando el Canal de la Mancha hasta Inglaterra, alrededor de 6.500.000 Km2, kilómetros más kilómetros menos. Tierra de muchas idiosincrasias, culturas, ancestrales rivalidades y ambiciones particulares. El emperador Constantino I en su búsqueda de puntos de unión nota, a diferencia de su antecesor Dioclesiano, que el Cristianismo se ha extendido por todo el territorio y es lo único que en verdad tienen todos en común, así que en el año 313 firma El Edicto de Milán y otorga libertad de culto a los muy perseguidos cristianos. Finalmente, ésta secta religiosa, después de 250 años de reiteradas persecuciones, 10 de las cuales muy sangrientas, se pueden expresar, construir lugares de culto y sumar más adeptos, para transformarse en la religión oficial del imperio. 

Las manchas azul oscuro representan la influencia cristiana
para el momento de la realización del Concilio.

Pero existe un problema técnico, la aproximación a Cristo tiene muchas, muchísimas vertientes distintas, cada obispo de cada zona tiene una visión distinta al cómo interpretar las escrituras y la razón es que cada uno de ellos, generación tras generación, aislados como estaban, generaron una religión que se adaptaba a sus realidades particulares, ya fuesen geográficas o culturales, ahora en el ámbito global, esa diferencias le generaban al emperador un conflicto de base, hay que conciliar posiciones, el camino debe de ser uno y las pautas, a las necesidades políticas del imperio, las va a generar él, el emperador, convocando el 20 de mayo del año 325 dC a una reunión de obispos de todos los recónditos del territorio. En la historia éste evento se va a conocer como El Primer Concilio de Nicea.

Presencia de Constantino I en el Concilio
Fresco en los aposentos papales en el Museo del Vaticano

Para el evento asistieron alrededor de 300 obispos, teniendo en cuenta que hace mil setecientos años el trasladarse de un lugar a otro no era tan sencillo y se escogió la ciudad de Nicea, hoy en Turquía, porque allí estaba el Palacio de Verano del emperador y el desarrollo y la conclusión final del concilio para él era de suma importancia. No sólo asistió a todas las reuniones, sino que dio las pautas finales, algo así como esto es lo que se tiene que aprobar y dejó que los obispos adeptos a sus políticas se sintieran “autónomos”. El punto de inflexión son dos posiciones encontradas: los que veían en Jesús las dos naturalezas, la humana y la divina, en sí Dios, al haber sido engendrado por él a través de María, y los que veían a Jesús como una creación de Dios, con lo que no lo convierte en un dios, sino en un mensajero de su palabra divina, posición que defendió apasionadamente el presbítero Arrio y cuya visión se conoce como arrianismo. A Constantino I le conviene más la visión de las Dos Naturalezas, por ende la que Jesús es hijo de Dios.

A lo largo de dos meses de intensos debates el tópico en cuestión, la verdadera naturaleza de Jesús, se va definiendo, a veces incluso con violencia, cuando por ejemplo el obispo Nicolás de Bari (hoy san Nicolás, el que reparte los regalos en diciembre) golpea en la cara a Arrio, quien a pesar de ser minoría en éste concilio, defendía su causa con pasión. Al final el resultado fue conveniente para el emperador y Arrio fue considerado hereje, perseguido, su obra destruida y eventualmente olvidado, al menos por la religión cristiana, no tanto por la islámica (300 años a la fecha).

El presbítero Arrio abajo en el centro condenado como hereje.

Para concretar la decisión se redacta un credo, El Credo que hoy conocemos y rezamos, en donde se hace énfasis en las dos naturalezas de Jesucristo (Jesús hombre, Cristo divino) en el que es engendrado y no creado,

“…Creo en un solo Señor, Jesucristo, Hijo único de Dios, nacido del Padre antes de todos los siglos: Dios de Dios, Luz de Luz, Dios verdadero de Dios verdadero; engendrado, no creado, de la misma naturaleza del Padre…”

El emperador Constantino I está satisfecho y el resultado va a ser divulgado e impuesto en todo el imperio, pero lo que no previeron con éste dogma fue el que en una religión que se dice ser monoteísta ahora estaba conformada por DOS entidades divinas: el Padre y el Hijo, y si además le sumamos el Espíritu Santo... Razón por la cual se habrán de realizar muchos otros concilios para unificar criterios, de los cuales hablaremos en otras oportunidades.

Constantino I en el centro sosteniendo el texto del Credo

 Otros puntos que se definieron en el Primer Concilio de Nicea:

• La prohibición de la auto castración.
• El reconocimiento por parte de cada provincia respectiva de las autoridades supremas: el Patriarca de Alejandría, el Patriarca de Antioquía y el Papa de Roma (decisión que a futuro fracturará a la Iglesia de occidente y oriente).
• La prohibición de destituir a los sacerdotes.
• La necesidad de la presencia de un obispo o un presbítero al momento de la eucaristía.
• Etc.

Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi

Las Señoritas de Aviñón de Pablo Picasso

Las Señoritas de Aviñón no fue el nombre original de una de las obras más famosas del artista español Pablo Picasso,  y más aun, el nombre no fue impuesto por él, ni tampoco le gustó, pero se tuvo que resignar. 

Las señoritas de Aviñón (1907)
Museo de Arte Moderno (MOMA), Nueva York

El título original se generó en los "Petit Comités" que Picasso organizaba en su taller y se especula sobre la posibilidad de haber sido por la colaboración, no de uno, sino de dos o incluso tres de sus invitados: Las señoritas de Avinyó, fue el título escogido, pero más allá de un restringido número de entusiastas, nadie más sabe que Avinyó es el nombre de una calle en Barcelona, España, en la que las mujeres se exhiben y se venden, con lo que las convierte en prostitutas. Con el tiempo y gracias a ese desconocimiento se transformó en Aviñón, ciudad francesa que fue por 70 años sede papal durante el siglo XIV. A Picasso le gustaba Las prostitutas de Avinyó, pero para 1907, ese nombre era muy sugerente y escandaloso para una población que aparentaba ser conservadora, si además le sumamos lo polémica que fue... Al principio a casi nadie le gustó, ni siquiera a sus amigos íntimos, sólo algunos pocos fueron condescendientes, le dieron unas palmaditas en la espalda y le sonrieron. Es en esos momentos en donde los grandes se destacan sobre los comunes, hoy en día es considerada una de las pinturas más importantes del siglo XX.

Es una obra muy difícil de clasificar; la mayoría la cataloga como el primer cuadro del período cubista, lo que es un error, ya que para la fecha de su elaboración (1907), Picasso, a sus 26 años, ya estaba en la transición entre el período Rosa y el período Negro, pero aun lejos del cubismo. El término "Negro" es debido a la influencia tribal proveniente de África y en la que se observa claramente en los dos rostros, a la izquierda de la composición, los cuales fueron repintados por él. 

 

Abajo podemos apreciar algunos de los bocetos en el que las caras tienen facciones tradicionales, al menos desde el punto de vista de nuestro artista y en donde se aprecia con toda claridad que de un burdel se trataba. 

 

Carbón sobre papel

Pastel sobre papel

Acuarela sobre papel

Las Señoritas de Aviñón son una ruptura definitiva entre el arte realista y las vanguardias que han de venir, por su falta de perspectiva y síntesis angular en la representación de las cinco "señoritas". Pero fue el punto de partida entre la rivalidad de Pablo Picasso y Henri Matisse, quien vio en ésta pintura una influencia directa con su obra La alegría de vivir (c. 1906), en base al manejo compositivo de las figuras femeninas. 

La alegría de vivir (c. 1906) Henri Matisse
Barnes Foundation, Pensilvania, Estados Unidos

Esa "enemistad" entre los dos se mantuvo implícita hasta los últimos años de vida de Matisse. Ya decía Picasso "el que más conoce mi obra es Matisse y yo la de él". 

Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi