Las Pinturas más costosas del Mundo

El Precio del Arte

Esta es la lista a la fecha, que se sepa, de las obras vendidas más costosas del Mundo, ya que algunos cuadros pueden ser vendidos en privado y la identidad del comprador resguardada.
 

Todas las pinturas en ésta lista son pertenecientes al "Arte Moderno", que en los últimos años han superado con creces los precios de adquisición de los Maestros Antiguos. Hay que tener en cuenta que los precios pagados hoy no son equivalentes a los pagados años atrás, por eso hago la conversión y ordeno las pinturas en valor neto actual.


1.- Willem de Kooning (1904-1997)     Interchange        1955
Esta es la segunda obra en la lista de este artista holandés nacionalizado estadounidense perteneciente al movimiento Expresionismo Abstracto.
La pintura perteneciente al productor musical y cinematográfico David Geffen fue vendida al inversor de capital Kenneth C. Griffin, quien es en la actualidad uno de los grandes compradores de arte y filántropo. De manera simultánea también compró la obra Número 17A de Jackson Pollock. Ambos cuadros van a permanecer exhibidos en el Art Institute de Chicago.
Interchange iguala en precio al cuadro a continuación de Paul Gauguin, $ 300.000.000, pero la compra global por las dos pinturas suman $ 500.000.000.

Willem de Kooning, Interchange, (200.7 x 175.3 cm), 1955
Chicago Art Institute

2.- Paul Gauguin (1848-1903)   ¿Cuándo te casas?     1892

Artista francés del Post Impresionismo, pieza clave para los artistas del Siglo XX, con su síntesis del color.
La modelo que posa en ésta obra, Tehe'amana, fue su pareja durante su estancia en Tahití.
La obra fue comprada fuera de subasta a un coleccionista privado, hoy ya se sabe que es el Museo de Arte de Qatar, por la suma de $ 300.000.000

¿Cuándo te casas? (Nafé Faaipoipo), 1892, 101.5 cm x 77.5 cm

3.- Paul Cézanne (1839-1906)     “Los jugadores de cartas”           1892/93

Artista francés del Post Impresionismo, considerado por muchos “el padre de la pintura moderna”, aunque en vida fue ignorado por los críticos y los coleccionistas. Esta es la tercera versión de cinco que el artista realizó sobre éste tema, una de ellas está en el Museo D´Orsay en París

En el 2011 se realizó la venta fuera de subasta y el comprador fue la Familia Real de Catar, que pagó una suma superior a los $ 250.000.000.

El precio hoy es equivalente a $ 268.100.000.

"Los jugadores de cartas" (tercera versión), 1892/93 (97 cm x 130 cm)

4.- Jackson Pollock (1912-1956)                “Number 5, 1948”          1950

Artista estadounidense del movimiento Expresionismo Abstracto o Escuela de Nueva York, considerado por muchos el mejor artista de su país en el siglo XX. Su estilo característico fue el Action Painting, mal llamado Dripping.

En el 2006 el magnate discográfico David Geffen vende la obra en privado por la suma de $ 140.000.000, al empresario mexicano David Martínez, pero él siempre ha negado dicha adquisición.

El precio hoy es equivalente a $ 161.700.000.

"Number 5, 1948", 1950,
óleo sobre madera compactada (240 cm x 120cm)

5.- Willem de Kooning (1904-1997)        “Woman III”                     1953

Artista holandés nacionalizado estadounidense perteneciente al movimiento Expresionismo Abstracto. Esta obra es una de una serie de seis. Hasta 1979 el cuadro fue exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán y luego de la Revolución Religiosa Iraní liderada por el Ayatolá Jomeini, la pintura fue retirada de exhibición por considerarse obscena bajo los estándares musulmanes. Entonces fue comprada por David Geffen, hasta que en el 2006 él se la vende, por la módica suma, de $ 137.500.000 a Steven A. Cohen.

El precio hoy es equivalente a $ 158.800.000.  

  

"Woman III", 1953, óleo sobre tela (172 cm x 123 Cm)

6.- Pablo Picasso (1881-1973)                "El sueño"                         1932                    

Artista español, padre del cubismo, pero quien a su vez experimentó otras tendencias, como: el surrealismo y el simbolismo. Esta pintura representa a su amante Marie-Thérèse Walter.

En el 2013 el cuadro fue comprado en subasta por el multimillonario Steven A. Cohen por $ 155.000.000 para darse un regalo luego de superar el escándalo y pagar una suma millonaria para no ir a juicio por fraude.

El precio hoy es equivalente a la misma suma ya que fue adquirido éste mismo año.

"El sueño", 1932, óleo sobre tela (130 cm x 97 cm)

7.- Gustav Klimt (1862-1918)     “Adele Bloch-bauer I”                      1907

El principal artista austríaco del movimiento de Secesión de Viena y simbolista por excelencia. La pintura de Adele Bloch-bauer es tan elaborada que Klimt se tardó tres años en completarla. Luego de la ocupación nazi y el final de La Segunda Guerra Mundial, La Galería Estatal de Austria se sintió heredera legal de ésta y otras  cuatro obras de Klimt propiedad de los difuntos esposos Bloch-bauer. De inmediato se genera un litigio legal con los herederos de la familia que duró décadas (La República de Austria vs Altmann), hasta que en el 2006 un juzgado dictaminó que la propietaria legal era María Altmann y las obras le fueron entregadas. De inmediato se pusieron en venta y la subastadora Christie´s se la negoció por $ 135.000.000 a Ronald Lauder, heredero de la Compañía Estée Lauder, para ser exhibida en la Neue Galerie de Nueva York. Según sus palabras “Esta es nuestra Mona Lisa”.

El precio hoy es equivalente a $ 154.900.000.

  

Adele Bloch-bauer I, 1907, óleo, plata y oro sobre tela (140 cm x 140 cm)

8.- Vincent van Gogh (1853-1890)           “El retrato del Dr. Gachet”         1890

Pintor holandés de estilo Post Impresionista que a lo largo de su corta carrera, 10 años y 860 pinturas al óleo, influenció sobremanera a casi todas las generaciones de artistas del siglo XX, a pesar de haber vivido en el anonimato y no haber logrado vender ni una sola obra, generándole una gran depresión que lo llevó a dispararse un tiro a los 37 años de edad. Su deceso oficial es suicidio, aunque nunca se encontró el arma.

El Dr. Gachet se encargó de Vincent van Gogh durante los últimos meses de su vida y él le dedica dos cuadros, muy similares en composición pero distintos en trazos y colorido. La segunda versión de éste cuadro está en el MuseoD´Orsay en París y la primera versión fue subastada en  1990 al magnate japonés, hoy arruinado, Ryoei Saito, por $ 82.500.000, generando el gran Boom de compradores arte. El paradero actual de la pintura es un misterio, se sospecha está en Europa.

El precio hoy es equivalente a $ 148.600.000.

"El retrato del Dr. Gachet" (primera versión), 1890,
Óleo sobre tela (67 cm x 56 cm)

9.- Francis Bacon (1909-1992) "Tres estudios de Lucian Freud"        1969
Es un tríptico de su rival y amigo, el artista Lucian Freud, nieto del renombrado psiquiatra, Sigmund Freud.
La obra está categorizada como la de más alto valor alcanzado en una subasta, $ 142.400.000, pagado por un comprador anónimo, pero con la conversión de precio de las otras obras, equivalente a la fecha, éste cuadro llega al séptimo lugar.

"Tres estudios de Lucian Freud", 1969
Óleo sobre tela (198 cm x 147.5 cm, cada lienzo)

10.- Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) “Baile en el Moulin de la Galette”        1876

Renombrado artista francés del movimiento de Los Impresionistas. Renoir realizó dos versiones con el mismo nombre, una de ellas, la más grande, está en el Museo D´Orsay en París y la más pequeña fue adquirida en subasta, en 1990, por el magnate Ryoei Saito a un precio de $ 78.000.000. Este excéntrico personaje generó un gran escándalo cuando anunció que las dos obras por él compradas: El retrato del Dr. Gachet y el Baile en el Moulin de la Galette sería cremadas junto a él al momento de su muerte. Por suerte, cuando su compañía se declaró en bancarrota, los banqueros se adjudicaron las pinturas como garantía de pago y posteriormente fueron vendidas a coleccionistas privados, se cree que en Europa, muy por debajo de su precio inicial.

El precio hoy es equivalente a $ 140.700.000.

"Baile en el Moulin de la Galette" (versión más pequeña), 1876,
Óleo sobre tela (78 cm x 114 cm)

11.- Pablo Picasso (1881-1973)         “Muchacho con pipa”                1905

Esta obra de Picasso pertenece al Período Rosa y la pinta cuando el artista tiene 24 años de edad.

Aunque ya no lidera la lista de las más costosas, la obra, en su momento, 2004, rompió un hito, la barrera de los 100 millones de dólares, cuando la casa de subasta Sotheby´s la vende por $ 104.168.000 a un comprador anónimo que se piensa pudo haber sido Guido Barilla, el magnate de la pasta italiana, Barilla Group. Algunos críticos consideran que el elevado precio se logró debido al renombre del autor y no a la obra en sí, que es considerada de menor categoría.

El precio hoy es equivalente a $ 128.200.000.

"Muchacho con pipa", 1905,
Óleo sobre tela (100 cm x 81.3 cm)

12.- Edvard Munch (1863-1944)                  “El Grito”              1893

Prominente artista y cineasta noruego cuyo Simbolismo está reflejado en el tratamiento psicológico en la mayoría de sus obras, influenciando en gran medida el movimiento Expresionista Alemán.

Su obra más icónica es El Grito, en la que el terror expresado por el personaje, ante algo que ve, distorsiona incluso el paisaje. Munch realizó cuatro versiones, unas en óleo y otras en pastel. Dos de estas versiones están en el National Gallery de Oslo, la otra en El Museo Munch y la cuarta versión, realizada en 1895 en pastel, fue subastada en el 2012 a Leon Black por $ 119.922.600.

El precio hoy es equivalente a $ 121.400.000.

"El Grito" (cuarta versión), 1893,
Pastel sobre cartón (79 cm x 59 cm)

13.- Pablo Picasso (1881-1973)            “Desnudo, hojas verdes y busto”           1932

La pintura retrata a Marie-Thérèse Walter, amante del artista y adquirida casi de inmediato por los coleccionistas Sidney y Frances Brody. La obra sólo fue expuesta públicamente una sola vez en el año 1961. Al morir Frances Brody en el 2009, la obra fue subastada y adquirida por $ 106.500.000, por un comprador anónimo que la cedió en calidad de préstamo al Tate Modern de Londres para su exhibición.

El precio hoy es equivalente a $ 113.600.000.

"Desnudo, hojas verdes y busto" 1932
Óleo sobre tela (162 cm x 130 cm)

Otras tantas obras han estado en la lista y luego desplazadas por las adquisiciones más recientes, razón por la cual anexo un gráfico en las que aparecen.

Gráfico tomado de Wikipedia

Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi

Yves Klein, "La Vida en Azul"

En el arte, ¿en quién pensamos cuando pensamos en azul?

La respuesta está más cerca de lo que uno piensa, pero éste artista de mediados del siglo XX influenció, con su sistemática utilización de un tipo de azul ultramarino creado por él como único color en sus obras a artistas de la talla de Henri Matisse y Robert Rauschenberg, y algo mucho más contemporáneo: The Blue Man Group. E incluso lo registró: IKB 191.

Henri Matisse, Desnudos en Azul, 1952

El azul se utiliza en el arte y en la joyería desde tiempos antiguos, su color de inmediato nos hace pensar en el profundo mar y en el infinito cielo, razón por la cual siempre nos ha fascinado, pero desde ese entonces y hasta hace muy poco, la fuente primaria para crear este pigmento provenía de una piedra semi preciosa: el Lapislázuli. No sólo es escasa sino de proveniencia distante: Afganistán. Ante esta extravagancia, los artistas se reservaron la utilización de éste color sólo a los personajes en sus obras que lo ameritaran, ya sea por su linaje o importancia, llegando todos ellos a un acuerdo implícito, La Virgen María. Pero eventualmente el color se llegó a sintetizar a finales del siglo XIX  y su costo disminuyó a tal punto que su producción, en comparación a otros, resultó ser de los más baratos. Fue allí cuando un grupo de artistas modificó paulatinamente su uso y su significado utilizándolo para representar emociones: Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Vincent van Gogh y Pablo Picasso, y esa emoción es melancolía, porque en palabras de Matisse, “ciertos tipos de azul penetran tu alma”.

Vincent van Gogh, Noche estrellada, 1889. MoMA, Nueva York

Los colores tradicionales de jerarquía son: azul, rojo y amarillo, y nuestro artista, Yves Klein, los utilizó todos, pero de forma individual, llegando a consolidar un movimiento conocido como Monocromismo.

Monocromías de Yves Klein, Museo Pompidou, París

Allá por el año 1946, en una playa del Sur de Francia, Yves Klein junto a otros amigos decidieron, conceptualmente, distribuirse el Mundo entre ellos: Claude Pascal quiso quedarse con las Palabras, Arman Fernández con la Tierra e Yves Klein fue un poco más ambicioso, se quedó con el Vacío que rodea a la Tierra (el Cielo), cuya percepción visual es azul. Eventualmente él redujo su ya escasa paleta de colores sólo a ese color: Azul.

En esa búsqueda del Vacío, cosa que en verdad no es fácil representar, Yves Klein, quién entre sus cualidades artísticas también estaba la música, compuso en 1949 una de las melodías más revolucionarias del siglo XX: La Sinfonía Monotónica. Esta pieza de 40 minutos tiene por finalidad el mantener un acorde sostenido por 20 minutos y los otros 20 son de silencio absoluto (el Vacío)…



Yves Klein representando su ejecución de La Sinfonía Monotónica.

Esta composición inspiró tres años después a otro músico, John Cage, quien en 1952, creó la pieza 4´33”, una melodía de silencio absoluto, creada para cualquier instrumento, y en donde el músico se coloca frente a su instrumento y por 4 minutos y 33 segundos sólo observa su partitura en blanco ante un público confundido y nervioso, luego se pone de pie y se retira. El objetivo de la obra en sí es el escuchar los sonidos del ambiente que se ahogan normalmente en una ejecución musical tradicional.

Luego de su brillante composición Sinfonía Monotónica, Yves Klein publica un libro de estampas pintadas por él de distintas ciudades europeas en las cuales ha estado y convivido, Yves Peintures. En ésta publicación Klein representa a cada ciudad con un color, creando así láminas monocromáticas de cada una, según sus sentimientos hacia ellas. Este experimento editorial luego lo va a trasladar al lienzo, pero no como uno podría imaginarse en pequeña escala, no, a gran escala, siempre pensando en grande, a todo grito y una y otra vez, utilizando sus tres colores favoritos: rojo, dorado y azul.

Yves Peintures, publicado en 1954

No hay que ser románticos con el proyecto de éste gran artista, para su época, y por muchos años, casi nadie entendió lo que Yves Klein estaba haciendo. Sus exposiciones de lienzos todos del mismo formato y con monocromías individuales, la gente lo interpretó como un mosaico de un todo y no como un objeto en sí, en la que cada cuadro, según él, es individual. Esto lo hizo reflexionar y dar un paso aún más osado, de ahora en adelante, en cada exposición sólo va a utilizar un solo color: el Azul, al que, como dije antes registró como International Klein Blue 191 (IKB 191), mejor conocido como Azul Klein. Y algo poco conocido y anecdótico, para enviar las invitaciones de sus primeras exposiciones, Yves Klein pintó unas estampillas en azul y convenció al correo postal francés para que enviara los sobres, institucionalizando así su concepto.

Invitación con estampilla creada por Yves Klein

Ahora, bajo ésta nueva aproximación, algunos entendidos comenzaron a captar lo que Yves Klein intentaba expresar. No de inmediato, pero si poco a poco.

Exposición Monocromática

En su constante experimentación él intervenía posteriormente su obra monocromática, con agua, fuego o ácidos, para poder generar distintas texturas y tonalidades. Incluso agregando objetos, como las esponjas a sus cuadros y luego pintándolas todo de azul, o rojo, o dorado.

En sus constantes experimentaciones, Yves Klein prueba con todo, incluso fuego.

Debido a que Yves Klein nunca fue estático, siempre tiene la necesidad de reinventarse, en 1960 decide hacer un Performance e invita a una noche de gala a un grupo de personas a las que sienta en una sala, y él allí, en el medio, dirigiendo, no sólo a una orquesta que toca su Sinfonía Monotónica, sino a dos asistentes femeninas, con sus cuerpos totalmente desnudos, quienes se van pintando en azul para luego estampar sus figuras en los lienzos dispuestos en el espacio. Este revolucionario Performance y su resultado pictórico lo llamó Antropometrías.

Yves Klein, Antropometrías, 1960
Galería Internacional de Arte Contemporáneo de París

La vida de éste polifacético artista francés fue corta pero no efímera. Logró en sus 34 años lo que muchos nunca logran en toda una larga vida: dejar huella. Con el paso de los años y a un poco más de 50 años de su muerte, el legado de Yves Klein se ha ido consolidando y cada vez suma más adeptos, lo que nos da a entender que él estaba muy adelantado para su época.

Parte del resultado del performance de Antropometrías, 1960

 Escrito por Jorge Lucas Alvarez Girardi